miércoles, 23 de octubre de 2013

La asombrosa foto de Saturno catalogada como la mejor de la historia 23-10-2013

La asombrosa foto de Saturno catalogada como la mejor de la historia

Fue montada con 36 imágenes registradas por la sonda Cassini que estudia a ese planeta alrededor de su órbita desde el año 1997.

1 de 2 ZOOM. Una parte de la increíble fotografía.
2 de 2 COMPLETA. Así es la foto real que construyó un astrónomo.
1 de 2 ZOOM. Una parte de la increíble fotografía.
2 de 2 COMPLETA. Así es la foto real que construyó un astrónomo.
Las imágenes parecen un dibujo. Son similares a un diseño creado artificialmente por alguien que puede manipular a su antojo un software de animación. Pero no. Son reales. Un programador montó varias de las fotografías que la misión Cassini captó del planeta Saturno y creó uno de los mejores registros que existen sobre ese planeta.
"Esta foto que muestra el globo de Saturno en medio de sus anillos es definitivamente una de las más bellas de la Misión Cassini", señaló el astrónomo aficionado Gordan Ugarkovic, editor general de la fotografía. El producto final fue realizado con las impactantes 36 fotos que la sonda Cassini-Huygens registró de uno de los planetas más grandes del sistema solar el pasado 10 de octubre.
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La nave pudo registrar las bellas tomas porque orbitaba por arriba del planeta. Así se pueden observar los detalles de una extraña tormenta hexagonal en el polo norte, como también se pueden ver con una nitidez inusual a los famosos anillos. La misión de Cassini se lanzó en 1997, con la ayuda de las agencias espaciales de varios países, quienes enviaron la nave a Saturno para estudiar a ese planeta y a sus lunas hasta el año 2017.

viernes, 4 de octubre de 2013

MODO MANUAL DE LA CAMARA 4-9-2013

Modo Manual de la cámara (introducción a la creatividad)

obturación diafragma iso lente zoom apertura de diafragma enfoque modo manual exposición 

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#1 Admin

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    Posted A week ago
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    Hola amigos de la comunidad, en esta oportunidad comenzamos a darle vida al espacio de Aula Virtual del foro , lugar de enseñanza y aprendizaje, un profesor es bueno, dos aún mejor, pero toda la comunidad del foro será mejor que muchas academias.

    Siendo la fotografía un tipo de arte, la expresión subjetiva del sentir del fotógrafo, una mezcla de conocimientos y vivencias que se plasman en cada obturación, es que uno no puede permitir que la cámara decida qué hacer, cuando te cansas de apretar un botón y dejarte llevar por la suerte o destino, cuando sabes que la cámara necesita que la orienten para lograr el resultado que esperas y que no sabe cómo actuar en todo tipo de situación, es que debes ya saber cómo configurarla tú mismo y hacerla tu mejor compañera, la “extensión de tu cuerpo”.

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    El modo manual de la cámara es la opción que debe elegir todo fotógrafo que ya conoce su equipo y que ya tiene nociones previas de fotografía (teoría), porque el modo "M" es el modo en que tú, como fotógrafo configuras todo, o sea, el triángulo de la exposición (Iso, Diafragma, Vel.Obturación) y otros factores.

    Debes tener en cuenta que cada factor que modifiques afectará en forma directa a la imagen que obtengas, por ejemplo, el Iso afectará en ruido (puntos rojizos en zonas de menor luz) y a la velocidad e intensidad de la luz sobre el sensor o película (a mayor Iso, necesitas menos tiempo de exposición para conseguir la misma cantidad de luz que con un Iso bajo, pero a mayor Iso, mayor ruido); el diafragma afectará en la profundidad de campo (Espacio “físico” de la zona enfocada o del enfoque, explicaré todo detallado en otro artículo) y la obturación(velocidad de obturación, su medición o escala es temporal, en torno o relativa al segundo) afectará a la forma en que se muestra o transmite visualmente el movimiento, pudiendo un elemento (en movimiento) verse desde estático a movido (no confundir el movimiento del objeto con el movimiento producido a causa de la trepidación).

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    Esto no es menor, ya que a cada lugar donde apuntes y encuadres, de no haber una luz homogénea (ejemplo: en un día nublado), tendrás que modificar tus valores de captura para que la fotografía sea tomada en forma correcta, de acuerdo a la velocidad de obturación (congelar el movimiento o evidenciarlo), la apertura de diafragma (ubicado en el lente) y el ISO (sensibilidad del material fotosensible, ya sea sensor digital o película).

    Controlar la cámara en Modo Manual es muy importante para entender la luz y sus características, entender qué es lo que necesito capturar, darle un sello a la imagen y además, ser apto para responder a cualquier condición lumínica.

    La cámara fotográfica posee un modo automático que comete muchos errores si no se indican factores a considerar, de acuerdo a lo que se está fotografiando, además, los resultados que el automatismo propone son “correctamente expuestos”, siendo que muchas veces, o deseamos una foto sub expuesta o sobre expuesta, cosa que no sería posible en Automático y dependeríamos de si la cámara realiza o no lo que deseamos, por lo que sólo se recomienda el modo Automático al iniciarse en la fotografía.

    Bueno, el punto de partida será escoger la longitud focal que deseamos para nuestro encuadre (si es que poseemos un lente zoom, conocidos como lentes de longitud focal variable). Debes saber que la Longitud focal se mide en milímetros (mm) y dependiendo de la longitud, a menor mm será un ángulo más abierto (en grados) y a mayor longitud (menor grado de visión y mayor acercamiento). Al principio suele confundirse el término “zoom”, ya que se utiliza como acercamiento, pero debemos diferenciar entre lentes zoom y primarios, o sea, lentes de longitud focal variable y fija (profundizaremos más adelante). No por ser un lente primario o prime significa que no acerque al objeto, el acercamiento dependerá de la longitud focal y no de si es un lente  zoom o primario.

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    En torno a la foto en sí, para regular la exposición de la imagen que se desea captar, debe ser de acuerdo a la medición de luz que otorga el exposímetro. Esa medición puede ser: puntual (de acuerdo a la luz que haya sobre el lugar en que ubiquemos el punto de enfoque), ponderada central (promedio de luz sobre la zona central de la imagen y matricial (promedio de todas las zonas de luz en el encuadre). Trataré los modos de medición de luz en otro artículo. Otro aspecto a considerar, es que si quieres que la foto sea aún más “Manual”, puedes seleccionar el modo de enfoque manual, en el cual tú, mirando a través del ocular seleccionas la distancia en la cual deseas el enfoque adecuado a tu toma.

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    Luego de seleccionar la medición de luz  de acuerdo a nuestros propósitos, debemos seleccionar el tipo de enfoque que utilizaremos, si el objeto está en movimiento se recomendará un enfoque continuo (cada vez que mantengamos presionado el botón de enfoque hasta la mitad, estará continuamente enfocando de acuerdo al punto de enfoque seleccionado) o simple (cada vez que presionemos el botón disparador hasta el nivel de enfoque, la cámara enfocará y se bloqueará el enfoque en esa distancia).

    Posteriormente revisaremos el exposímetro para ver si la luz es correcta de acuerdo a nuestros propósitos, ya que muchas veces deseamos subexponer o sobrexponer la imagen y no por ello la imagen está mal. La medición otorgada por la cámara, que aparece (de ser réflex) al mirar por el visor, está en la parte inferior y te indica un +2 a un extremo (sobrexponiendo), 0 en la parte central y -2 al otro (subexponiendo). En las cámaras compactas o en las bridge (hiperzoom – puente entre  compacta y réflex) se ve un visor en la misma pantalla digital con la misma estructura.

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    Por último, puedes tomar la foto en modo de disparo simple (disparo por disparo) o en modo ráfaga, en el cual mientras mantienes presionado el botón de disparo, tomará todas las fotos que pueda, en forma seguida y continua.

    Bueno, ahora ya tienes las primeras nociones e introducción al modo manual de una cámara fotográfica, lo que resta es práctica y ganas de aprender. Te invitamos a conocer este modo y no te desanimes si al principio las cosas no van como esperas ¡Con el tiempo se logra la rapidez y precisión!  B)

    Autor: M. Jaureguiberry Guzmán.

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    domingo, 18 de agosto de 2013

    ¿Qué es la refotografía? A grandes rasgos, podemos definir la refotografía como el acto tomar dos o más fotografías de un mismo motivo separadas en el tiempo. 18-8-2013

    ¿Qué es la refotografía?

    A grandes rasgos, podemos definir la refotografía como el acto tomar dos o más fotografías de un mismo motivo separadas en el tiempo.
    Refotografía
    ¿Alguna vez habías escuchado hablar del concepto de refotografía? Su etimología no es muy compleja, así que supongo que no hace falta que te diga que tiene que ver con volver a tomar una fotografía. Sin embargo, el concepto de refotografía se centra específicamente en volver a fotografiar algo pasado un tiempo. Seguro que has visto esas fotos de ciudades en las que se compara cómo era una zona o una calle determinada hace unas décadas y cómo es ahora. Pues bien, eso entraría dentro de lo que es la refotografía.
    Esta técnica se utilizó en un principio como prueba científica, aplicada generalmente al estudio de sistemas ecológicos cambiantes. Su nacimiento se sitúa habitualmente en los años 70, con el proyecto Rephotographic Survey (1977), liderado por Mark Klett. Para este proyecto se capturaron más de un centenar de fotografías del oeste americano que imitaban a fotos tomadas alrededor de 1870. La idea era comparar el aspecto de esas zonas a finales del siglo XIX y cien años después.
    Los resultados del estudio se publicaron en el libro Second View: The Rephotographic Survey Project. Para el proyecto se trataron de imitar de forma precisa las fotografías originales. Hace unos años, en 2005, Mark Klett volvió a visitar esos lugares con nuevos fotógrafos para un nuevo libro, titulado Third View, que mostraba la evolución entre las fotos de 1977 y las de la actualidad.
    Además de a Mark Klett, al hablar de la refotografía hay que mencionar al fotógrafo de origen chileno Camilo José Vergara, al que muchos consideran como el verdadero maestro de esta técnica. En sus refotografías de las principales ciudades de Estados Unidos Vergara mostraba los pequeños cambios que producía el tiempo y cómo el entorno se iba modificando para adaptarse a las nuevas condiciones socioeconómicas imperantes en cada momento.
    Cuando nos referimos a la refotografía generalmente hablamos de fotografías en la que hay una intención clara de repetir o imitar una foto anterior. De hecho, quienes practican esta técnica son meticulosos respecto al punto, el ángulo y la distancia focal utilizada para captar la imagen original. Como la idea es mostrar el paso del tiempo, suele ser habitual incluir en la imagen elementos fácilmente reconocibles que permitan una comparación más sencilla. En la imagen superior, por ejemplo, el aspecto de la ciudad ha cambiado completamente y pocos edificios se mantienen, pero las líneas que forma el litoral y la carretera principal se mantienen y permiten contextualizar el resto de elementos.
    A lo largo del tiempo hemos hablado en este blog de muchos proyectos que en cierto modo están relacionados con la refotografía. En 2009 vimos una galería en la que se fusionaban fotografías de San Petersburgo tomadas durante la II Guerra Mundial y en la actualidad. Al año siguiente vimos un proyecto muy similar realizado en Ámsterdam. También hemos visto en varias ocasiones cómo la refotografía se aplica a la evolución no de una ciudad, sino de una persona. Uno de los más conocidos es Young Me, Now Me, donde numerosas personas reproducían fotos de su infancia o de su juventud.
    Foto | Philippe Teuwen (CC)
    Más info | wikipedia.org

    martes, 30 de julio de 2013

    IMPRESION 5

    IMPRESION4

    IMPRESION3

    IMPRESION 2

    IMPRESION 1

    EL HISTOGRAMA

    SENSORES3

    SENSORES 2

    SENSORES

    FOTOGRAFIA DIGITAL1

    Fotografía Digital 1 – Ciclo lectivo 2013
    Formatos de archivo.
    Antes de meternos en el tema recordemos un poco como está formado un archivo fotográfico
    digital.
    Este es un bitmap (o sea un mapa de bits), formado por una cuadrícula de píxeles, y dentro de
    un archivo binario está incluida la información sobre el rectángulo donde se va a dibujar, y la
    ubicación y los contenidos de tonos de cada píxel.
    Los bitmap son utilizados y modificados en programas específicos para este uso, como por
    ejemplo Photoshop, PhotoPaint, Paint Shop-Pro, etc.
    No confundamos a los archivos de mapa de bits, con los archivos vectoriales, que son líneas,
    curvas y rellenos que se corresponden con fórmulas matemáticas.
    Los programas mas conocidos de este tipo son Adobe Ilustrator y Corel Draw.
    Realizada la aclaración, vamos por los principales tipos de archivos utilizados, algunos en las
    cámaras digitales (JPG, TIF, RAW), otros en los programas de retoque fotográfico (PSD, TIF,
    JPG), otros para importar/ colocar fotografías en los programas de Diseño (TIF, EPS), y otros
    diseñados específicamente para la web (JPG, GIF, PNG).
    Así mismo, para reducir la enorme cantidad de espacio requerido, muchos formatos emplean
    diferentes algoritmos de compresión, cuya labor consiste en reducir el número de dígitos
    almacenados intentando, eso si, que cuando se desee reproducir la imagen se puedan deducir los
    valores no almacenados. En definitiva existen varios formatos distintos que pueden ser utilizados
    para el almacenamiento de imágenes digitales
    TIF/TIFF: Tagged Image File Format.
    Es uno de los mas antiguos que existen, fue creado en el año 1986 producto de una serie de
    reuniones ente fabricantes de escáneres y desarrolladores de software. El objetivo era conseguir un
    formato para intercambiar fácilmente datos entre distintos dispositivos y plataformas.
    También se pretendía que el nuevo formato fuera extensible, o sea que a pesar de incorporar
    distintos avances futuros, siempre pueda ser leído por cualquier programa, aun por los anteriores.
    La característica de este formato es que toma la información del primer píxel (arriba a la
    izquierda) y en forma horizontal va guardando la información de tonos y/o color que contiene cada
    uno. Esto hace que en caso de un error de disco se puede abrir la imagen con una pérdida mínima.
    Y el archivo, sin importar la imagen que tenga, pesa siempre lo mismo, dependiendo solo de la
    cantidad de píxeles que tenga, y de la profundidad de color, (mas algunos bits que utiliza el
    formato) Por ejemplo una imagen 2560x1920 pixeles a 8 bits por color, siempre va a pesar 14,09
    Megas.
    Puede trabajar con imágenes de blanco y negro (un bit), escala de grises (8 y 16 bits), RGB,
    lab. (24, 48 y 72 bits) y CMYK (32 y 64 bits).
    Soporta un modo de compresión matemático sin pérdida de información diseñado
    específicamente para su uso en imágenes, (LZW), que reduce el peso de la imagen alrededor de un
    40%.
    A partir de photoshop 7.0, incorpora la posibilidad de guardar los archivos con otras
    compresiones, como por ejemplo el formato ZIP y el JPG, reduciendo aún más el tamaño del
    archivo, y también se ha habilitado el guardado en capas, incluso manteniendo la transparencia.

    JPG/JPEG: Joint
    Photographic Expert Group
    Es el formato de compresión por excelencia,
    permite varios grados de esta, y aunque en el
    proceso hay pérdida de información, en los de
    mayor calidad esta pérdida no es visible por el ojo
    humano. En este caso el programa divide a la
    imagen en bloques de aproximadamente 8x8
    pixeles, analiza los valores comunes, y dependiendo
    de la compresión va descartando información. Esto
    reduce el peso desde un 40% hasta un 10% del
    original, y aún menos. Usando el ejemplo  anterior,
    una imagen TIF de 14,09 Megas se transforma en
    4,81 (con poca perdida de calidad) o 129 K con
    bastante pérdida.
    En el ejemplo vemos ampliada una parte de
    una imagen, guardada con calidad 12 (máxima), que
    tiene un peso 2.460K, y el mismo archivo guardado
    con calidad 1, con un peso de 264K. La diferencia
    de peso es muy importante, pero al hacerlo a costa
    de eliminar información se llega al extremo de
    traducirse en una especie de pixelado, ya que se ven
    claramente los cuadrados de 64 px.
    Permite su uso en escala de grises(8 y 16 bits)
    RGB (8 y 16 bits) y CMYK (8 y 16 bits)
    EPS, (Encapsulated
    PostScript Files)
    Es un formato que utiliza el lenguaje PostScript diseñado por Adobe System (los creadores de
    Photoshop), es muy usado en el entorno de la preimpresión offset, que utiliza ese lenguaje, y en
    usuarios de versiones antiguas de Quark (programa de diseño muy utilizado, en el entorno gráfico),
    que prácticamente no permitían trabajar con otro tipos de archivos.
    Puede manejar en un mismo archivo gráficos de tipo vectorial y mapas de bits, y su principal
    ventaja es la gran compatibilidad entre distintos sistemas operativos. Aunque sus archivos son de
    mayor tamaño.
    Su principal desventaja es que necesita para imprimirse con calidad una impresora con
    lenguaje Post Script, si no utilizamos a estas se imprimirá una versión de la imagen en baja
    resolución.

    PSD
    Es el formato nativo de Photoshop, sumamente versátil,  tiene la posibilidad de guardar el
    archivo con transparencias, distintas capas, métodos de fusión, textos, máscaras, canales de color,
    canales alfa, trazados, formas, configuración de tonos y más. Permitiendo el uso de 1, 8, 24, 36, 48,
    72 y 96 bits.

    Pero al guardar tanta información termina ocupando mucho espacio, además los programas de
    diseño (tipo Quark, Indesign, Page Maker), por su complejidad, recién en las ultimas versiones lo
    están admitiendo. Por lo que se transforma en un tipo de archivo imprescindible mientras estamos
    trabajando, aunque una vez lograda la imagen final, suele convenir fundir todas las capas y
    guardarlo como TIF o JPG.

    PSB
    Cuando el tamaño del archivo resultante es mayor de 2 Gb el formato PSD, no permite su
    guardado, en estos casos podemos migrar a un TIF (4Gb), o directamente usar el formato nativo de
    photoshop diseñado para esto que es el PSB, este admite documentos de hasta 300.000 pixeles de
    lado(unos 100 Gb).
    Aunque es compatible a partir de Photoshop CS1

    GIF
    Muy usado en Internet, por sus múltiples formas de ahorrar espacio y por la posibilidad de
    guardar animaciones, permite guardar archivos con fondo transparente y nos permite a nosotros
    seleccionar la cantidad de colores a utilizar. Por esto, es sumamente útil para los imágenes que
    utilizan colores planos, como iso y logotipos aunque no tanto para las imágenes fotográficas que
    requieren una gran graduación tonal ya que en estos casos el peso es superior al de un jpg.
    Tiene una gran limitación al poder utilizar solo el modo de color “indexado” de 8 bits en total.
    PNG (Portable Network Graphics)
    Nace como una superación del GIF, y si bien no tiene las posibilidades de animación de este,
    es mucho mas versátil en cuanto a que admite modos de color con hasta 4 canales, y soporta 16
    bits, además de guardar transparencias.
    Su compresión es sin perdida de calidad, por lo tanto el peso del archivo suele ser mayor al de
    un jpg,

    BMP (Bitmapped File Format):
    Es un formato que surge junto a el sistema operativo Windows 3.0, y es el estándar adoptado
    por este sistema operativo, todas las imágenes que éste utiliza están en este formato. En mucho
    aspectos es similar al Tif, aunque no permite el manejo de 4 colores (CMYK) de fotocromía, ni
    mayor cantidad de bits por color.
    Tiene muy poco uso fuera del que le da el Sistema Operativo. Aunque algunas impresoras de
    tipo industrial lo admiten como único formato de archivo.
    En las plataformas de Mac, el archivo que cumple las mismas funciones (en cuanto al sistema
    operativo) es el denominado PICT

    RAW
     Es un formato que guarda las imágenes en las cámaras tal cual fueron sacadas, sin ningún
    tipo de manipulación de parte de la cámara. Sería el equivalente a la imagen en bruto, con toda la
    información que pudo capturar la cámara.
    Si bien al tener toda esta información, ocupa mucho mas espacio que un jpg, sus sistemas de
    compresión sin pérdida de calidad hacen que disminuya bastante el peso teórico de estos, haciendo
    que pese apenas el doble que la misma imagen guardada en jpg, en máxima calidad, cuando si la
    guardáramos en TIF a 8 bits, sin compresión, este imagen pesaría como mínimo el triple.
    Tiene el inconveniente que necesitamos un software aplicado que provee cada fabricante de
    cámara, para su propio equipo. Aunque algunos softwares como photoshop, ya lo traen integrado.
    Observaciones:
    Como en tantas otras ocasiones tenemos que aceptar que ninguno de ellos es el mejor por
    excelencia, dependiendo de cual sea nuestro objetivo habrá que optar por uno o por otro.
    En el mundo de la impresión offset, EPS y TIF son los mas comunes. En el caso de enviar la
    imagen por Internet, el formato jpg es el adecuado siempre ycuando tengamos mucho cuidado con
    el grado de compresión.
    Al enviar a imprimir en un minilab digital las opciones son JPG y TIF, Y el formato PSD
    generalmente es utilizado cuando debamos guardar la imagen con distintas capas, o con fondo
    transparente.
    En las cámaras fotográficas, se suelen emplear los formatos TIF, JPG y RAW.

    jueves, 18 de julio de 2013

    11 trucos y consejos para unos retratos impresionantes

    consejos de retrato
    Publicado en julio 18, 2013 con 12 Comentarios
    Nota del Editor: Rescato este artículo del archivo del blog por su interés y valor para muchos que me preguntáis constantemente consejos sobre la fotografía de retratos. Espero que “memoricéis” estos consejos.
    Mira, el post de hoy realmente es para aprendérselo de memoria, o imprimírselo por lo menos. A continuación te traigo una serie de11 consejos y trucos que podrás aplicar en tus ejercicios de retrato y que te ayudarán a conseguir notables mejoras. Son consejos, como verás, simples y fáciles de llevar a cabo pero que marcan mucha diferencia entre una foto de fotógrafo debutante y otra que empieza a ser profesional…

    11 trucos y consejos para unos retratos impresionantes

    1. Aunque estés haciendo la foto en el exterior, y de día, hazla con flash. No es necesario que sea uno externo, el propio de la cámara te vale. Notarás una tremenda diferencia en los resultados.
    2. Abre bien el diafragma. Utiliza el modo de prioridad de apertura y reduce el valor f/.. todo lo que puedas. Así el sujeto saldrá bien enfocado y nítido, contrastando con un fondo muy desenfocado.
    3. Cuidado con los días muy soleados. Si el sol está dando fuerte no dejes que tu sujeto se coloque directamente debajo de él, pues eso generalmente ocasiona pequeñas pero fuertes sombras en el cuello y en la cara (sombras de la nariz por ejemplo). Lo mejor es que nuestro sujeto se coloque en un lugar donde el contraste entre sol y sombra no sea tan acentuado.
    4. Para los retratos hechos en casa, prueba colocando a tu sujeto cerca (muy cerca) de alguna fuente de luz exterior natural (una ventana por ejemplo). La luz natural procedente de la ventana llenará su rostro y sus ojos de vida y de expresividad. Eso sí, como venía diciendo en el consejo 3, evita la exposición directa a los rayos de sol.
    5. Durante el encuadre, procura dejar a tu modelo en el lado opuesto al sentido hacia el que tiene dirigida la cabeza. Por ejemplo si tiene la cabeza ligeramente girada hacia la derecha, colócalo a él a la izquierda del encuadre. Se llama la ley de la mirada.
    6. Para fotos de bebés procura tener el flash desactivado. Algunos pediatras comentan que el flash puede ocasionar daños irreparables al ojo del bebé. De todos modos, incluso si eso no fuera cierto, a los bebés no les suele hacer mucha gracia el flash. A menos que quieras que tu pequeño salga llorando en la foto… ;)
    7. Si quieres obtener retratos atractivos y con enganche pídele al sujeto que colabore un poco colocándose en lugares extraños, o llevando ropa poco común para el lugar en el que se encuentra. Por ejemplo: una abuela en una discoteca; un médico con una raqueta de tenis;… El experimento, a parte de divertido, es una buena solución para esos momentos de falta de creatividad.
    8. Para fotografiar siluetas evita, en la medida de los posible, los ajustes automáticos, sobre todo los de exposición, medición de luz, etc. La cámara intentará de manera automática armonizar los contrastes oscureciendo el fondo iluminado y sobreexponiendo el sujeto silueta. Por otro lado seguramente el flash saltará por sí solo, intentando iluminar la silueta. Lo mejor es tomar el control manual para así conseguir todo el contraste que buscamos.
    9. Si le haces a tu sujeto adoptar posturas muy incómodas es muy probable que le saques un retrato con cara de estreñido. Para evitarlo asegúrate de que esté en una posición cómoda.
    10. La inclinación de la cabeza es un truco que la mayoría de los fotógrafos profesionales de retrato utilizan. El truco consiste en hacer que el sujeto incline ligeramente su cabeza hacia un lado. La mujer puede inclinar su cabeza hacia cualquier sentido (siempre sin exagerar) mientras que para el hombre es preferible que la ligera inclinación de la cabeza sea en el sentido opuesto a su hombro más cercano a la cámara.
    11. Un consejo que funciona muy bien a la hora de hacer retratos de grupo es situar las cabezas de los sujetos en diferentes alturas: haz que uno se siente en el sofá, otro en el suelo, otro de pie por detrás, etc.
    Silueta
    Silueta

    domingo, 7 de julio de 2013

    Fotografía de arquitectura. Consejos para fotografiar una obra arquitectónica

    Fotografía de arquitectura. Consejos para fotografiar una obra arquitectónica

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    Objetivo sin corrección de perspectiva · Objetivo con corrección de perspectiva
    Cuando hablamos de fotografía de arquitectura, es muy probable que os vengan a la mente las típicas fotos de casas, rascacielos o cualquier otra edificación que muchos hacemos cuando estamos visitando recorriendo las calles de alguna ciudad.
    Pero hoy me gustaría abordar la fotografía de arquitectura desde su punto de vista más profesional, aquel en el que tenemos que mostrar, de la mejor manera posible, tanto externa como internamente, una obra arquitectónica, ya sea para un arquitecto, o bien para una institución pública o privada que nos lo encargue.

    El material y la técnica

    La fotografía de arquitectura es una fotografía fundamentalmente técnica y sencilla en cuanto a concepto, por lo que el material necesario no es excesivamente complejo. Tampoco vamos a necesitar material de iluminación artificial ni material de estudio, ya que la realizaremos evidentemente in situ, y normalmente con luz natural.
    Fotografía de Arquitectura · Manolo ToledoTrípode robusto + buena rótula, objetivo descentrable y nivel de burbuja · © Manolo Toledo
    Para fotografiar edificios o espacios de la forma más fiel posible a la realidad necesitaremos fundamentalmente dos cosas: campos de visión amplios y ópticas con la menor distorsión posible, por lo que usaremos básicamente objetivos angulares y estándar. No será normal utilizar teleobjetivos, excepto cuando fotografiar detalles difíciles de alcanzar con una óptica corta.
    El trípode será necesario para estudiar bien el encuadre, sobre todo en interiores, que usaremos exposiciones más largas. Importante también una buena rótula, que nos permita movimientos precisos y fijar la cámara en la posición exacta que queramos. Si añadimos un nivel de burbuja en la zapata del cuerpo de la cámara, mejor que mejor.
    Por último, ya sabéis que el filtro polarizador es un accesorio fundamental cuando estamos fotografiando vidrios desde diferentes ángulos, o exteriores en los que el verde y el azul toman protagonismo. Por tanto, es importante tener uno a mano. Lo usaremos cuando nos interese evitar reflejos, o para saturar los cielos y contrastar las nubes en el exterior.
    Canon descentrableCanon DescentrableUna de las claves de la fotografía de arquitectura es no distorsionar la perspectiva, algo que no es fácil con angulares extremos si no son de calidad. Es fundamental utilizar buenos objetivos y, por supuesto, mantener la cámara en horizontal si no queremos que las lineas converjan. En cuanto inclinemos un poco la cámara, las lineas no serán paralelas y, por tanto, se distorsionará la realidad.
    Para evitar esto, en función de nuestro angular será necesario disparar a cierta distancia del edificio, aunque en muchas ocasiones no vamos a tener la distancia necesaria. Por eso, lo ideal es usar objetivos descentrables, tambien llamados Tilt & Shift (descentrable y basculante) para corregir la perspectiva, o incluso barajar la posibilidad de utilizar una cámara técnica (banco óptico), que permite descentrar todos los objetivos.
    La idea, en definitiva, es poder mantener el plano del sensor vertical, y mover sólo la lente. De esta manera las lineas seguirán siendo paralelas y no convergerán (Ver foto de cabecera).
    Fotografía de Arquitectura · Manolo ToledoCasa da Música en Oporto · Iglesia Santa María en Marco de Canaveses · © Manolo Toledo
    Pero los objetivos descentrables no son precisamente baratos y además no todas las marcas los tienen, por lo que si estáis empezando en fotografía de arquitectura podéis recurrir a la corrección de perspectiva que ofrece Lightroom o Photoshop, aunque evidentemente, no es lo ideal. Lo deseable es hacerlo con la propia óptica y no tener que postprocesar las fotos para conseguir imágenes sin distorsión.
    Actualización: Lightroom 5 incluye una interesante nueva función llamada Upright que automatiza este proceso. Básicamente nos va a permitir enderezar las fotos de forma automática, gracias a un algoritmo que analiza y corrige la inclinación de la foto detectando las lineas horizontales y verticales, pudiendo corregir la perspectiva mediante cuatro métodos diferentes. Perfecto para fotos de arquitectura. Funciona incluso aunque el horizonte no esté visible. Podéis ver un vídeo de su funcionamiento en este enlace.

    Habla con el arquitecto

    No está bien generalizar, pero los arquitectos son (somos) por lo general vanidosos. A un arquitecto le gusta enseñar su trabajo, y le gusta explicarlo de la mejor manera posible. Ver terminada una obra de arquitectura es como una especie de largo parto creativo, por lo que plasmar bien el edificio fotográficamente es muy importante para ellos.
    Además, una obra de arquitectura no es un proceso fácil y requiere tomar decisiones que a veces no se llegan a comprender si no se forma parte de ese proceso. Por tanto, nada mejor que reunirte con el arquitecto, siempre que sea posible, para conocer su punto de vista, el por qué del aspecto formal del edificio y, sobre todo, entender el funcionamiento y la importancia de cada uno de los espacios.
    Fotografía de Arquitectura · Manolo ToledoEdificio Judicial en El Ejido · © Manolo Toledo
    Reúnete y charla con el arquitecto. Haz que te explique el edificio y tendrás mucho más claro que es lo que hay que mostrar de el.

    La importancia de la luz

    En este aspecto, la fotografía y la arquitectura tienen mucho en común. Sin luz, no hay fotografía ni hay arquitectura. Cuando hablamos de fotografiar espacios, la luz es fundamental. La habilidad del fotógrafo en saber aprovecharla y sacarle el máximo partido en cada espacio es la clave de la fotografía de arquitectura.
    Tanto en el exterior como en los espacios interiores juega con las luces y las sombras, estudia los diferentes momentos del día y aprovecha aquel donde se entienda mejor lo que quieres fotografiar.
    Aprovecha el amanecer y el atardecer para tener sombras suaves, y las horas centrales si quieres sombras duras y definidas. Y por supuesto, aprovecha la hora azul, es un momento mágico para las fotos de exteriores.
    Fotografía de Arquitectura · Manolo ToledoÓptica en Sevilla · © Manolo Toledo
    Por último no te limites a utilizar sólo la luz del día. En muchos proyectos, la iluminación artificial está muy estudiada, y nos va a ofrecer una visión muy distinta, tanto del edificio en si, como de los espacios interiores. Si merece la pena, sácale partido y haz también fotos de noche.

    Entorno y movimiento

    Una obra de arquitectura rara vez se piensa de forma aislada, como ente independiente, por lo que el entorno suele ser muy importante tanto en el diseño como en la forma. Por tanto, aunque es fundamental plasmar bien el edificio en si, alejarse y verlo en contexto e interactuando con elementos urbanos existentes es muy interesante.
    La fotografía de arquitectura suele ser también muy estática, en ocasiones incluso aséptica, por lo que a veces conviene utilizar elementos que provoquen cierto movimiento en la imagen. Pueden ser desde personas que no tengan relación con el edificio, a usuarios del mismo, pasando por vehículos o incluso objetos completamente ajenos al entorno. Al menos, tendremos fotos que generarán algo de dinamismo en el reportaje.
    Fotografía de Arquitectura · Manolo ToledoTorre Agbar en Barcelona · Edificio Judicial en El Ejido · © Manolo Toledo
    Por ejemplo, podemos utilizar una exposición larga para fotografiar a uno niño volando una cometa en el patio de una guardería. Generaría movimiento y transmitiría unas sensaciones completamente diferentes sobre el edificio que si fotografiáramos la guardería estática y vacía, sin vida.
    Hay que saber lo que queremos contar, y cómo queremos contarlo, y a partir de ahí intentar conseguir la imagen que queremos. Los espacios los usan las personas, y a veces merece la pena fotografiarlos en uso.
    Fotografía de Arquitectura · Manolo ToledoPiscinas en Leça de Palmeira · © Manolo Toledo

    Detalle, textura y creatividad

    Como vimos en el primer punto, la fotografía de arquitectura es muy técnica, y cuando nos encargan fotografiar una obra arquitectónica lo principal es mostrar el edificio y sus espacios más importantes. Pero eso no significa que no podamos reservar una parte del reportaje a mostrar detalles interesantes del edificio y puntos de vista diferentes o dar rienda a nuestro lado más creativo.
    Busca detalles interesantes y rincones únicos, no siempre hay que mostrarlo todo. Conseguirás tener un reportaje completo y con un punto de originalidad.
    Fotografia de arquitectura · Manolo ToledoAuditorio en Tenerife · Clínica de Odontología en Sevilla · © Manolo Toledo
    Por último prueba a buscar texturas, juegos de lineas, encuadres especiales, prueba a usar el blanco y negro cuando el color no aporte nada, a desaturar las imágenes, a añadirles filtros creativos, etc…
    En definitiva, echa un rato en tratar de sacar alguna foto más abstracta. Saca tu lado más creativo. Muchas veces, las reglas están para romperlas y seguro que ese punto diferente será el que te haga triunfar.
    Fotografía de Arquitectura · Manolo ToledoCiudad de las Artes y las Ciencias en Valencia · Caixa Forum en Madrid · © Manolo Toledo

    jueves, 6 de junio de 2013

    COMO FOTOGRAFIAR RAYOS DE TORMENTAS EN 12 PASOS 6-6-2013

    Cómo Fotografiar Rayos de Tormentas en 12 Pasos

    en Destacados, Escrito por . Publicado Tutoriales
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    Foto de Rayos y Tormentas (frank1030)
    Publicado en noviembre 02, 2011 con 32 Comentarios
    [Fotografías de frank1030 y Matthew Stewart bajo Licencia Creative Commons]
    A veces en la vida las cosas que parecen ser las más difíciles resultan ser las más fáciles. Es irónico pero es así. Un ejemplo de ello son las fotos de rayos y tormentas. Muchos fotógrafos aficionados y principiantes lo ven tan difícil de conseguir que ni siquiera se lo plantean. Muchos se hacen la pregunta“¿Cómo diablos puedo fotografiar un rayo, con lo rápido que es?”
    Aprovechando que el invierno y la época de las tormentas están a la vuelta de la esquina, en el ejercicio de hoy te voy a enseñar cómo captar rayos de tormentas con suma facilidad, sin el menor esfuerzo y siguiendo 12 pasos muy fáciles.

    Cómo fotografiar rayos de tormentas en 12 pasos

    Foto de Rayos y Tormentas (Matthew Stewart)
    Foto de Rayos y Tormentas (Matthew Stewart)
    1- Carga la batería de tu cámara a tope.
    2- Monta en tu cámara un objetivo gran angular y ponlo en una distancia focal de 18mm ó menos.
    3- Pon tu cámara en modo manual (M).
    4- Selecciona una apertura de diafragma de un valor f/ entre 11 y 16.
    5- Selecciona una velocidad de obturación de 30 segundos ó más.
    6- Desactiva el flash.
    7- Escoge un modo de disparo de “disparador remoto”. Si no dispones de disparador remoto, utiliza el disparo con retrado de 2 segundos por ejemplo.
    8- Busca y encuadra un buen paisaje. Cuida la composición.
    9- Pon tu cámara encima de un firme trípode y asegúrate de que no se mueva.
    10- Espérate a que haya un momento generoso en rayos.
    11- En cuanto empieces a ver rayos, dispara. Da igual que justo en el preciso momento del disparo no haya rayos, no importa, tu cámara estará registrando la foto durante al menos 30 segundos, tiempo durante el cual habrá por lo menos 1 ó 2 rayos.
    12- Mientras se esté capturando esa foto larga, asegúrate de no tocar la cámara, ni que ésta vibre. Sí, la foto será fascinante pero por favor conten tu alegría, si saltas de júbilo es posible que le des un golpe a la cámara sin querer, y te quedes sin foto, y sin cámara.
    Nada más, esto es. Ya ves lo fácil que es. Si quieres, tú también podrás presumir de unas magníficas fotos retratando la fuerza de la naturaleza, los rayos.
    ¿Te ha gustado el tutorial de hoy? Bien, ahora llega el momento en que te pido dos favores:
    • El primero, que te escribas una nota en la que pongas “PENDIENTE FOTOGRAFIAR RAYOS DE TORMENTA” y que te la cuelgues en tu cuarto, en algún lugar visible y que no la quites hasta que no la hayas hecho.
    • El segundo, que me ayudes a difundir este artículo: dale un voto abajo recomendándolo en Google+, Facebook o Twitter, así otros lectores se beneficiarán.